聊时尚|时装与艺术的合作
疫情当下,大门不出二门不迈,除了享受与家人相处的时光 也是修身养性，学习知识的最佳时刻！
所以《didi聊时尚》又回归了
在这个时候与小姐姐们互相探讨、互相促进、互相打气
我们今天就聊聊时装与艺术的关系吧
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艺术与时尚之间的合作是永恒的
自高级时装诞生之日起
时装就对这些艺术家们调情了
新艺术、、超现实注意、、达达主义、立体主义、、抽象主义……
时装不仅仅来自于设计师的灵感，往往也借鉴于画家的作品
✅例如夏帕瑞丽
她著名的的龙虾连衣裙装饰着达利的巨幅画作，鳌虾纽扣，拉丝口袋，高跟鞋形状帽子
������达利和夏帕瑞丽合作的“龙虾”裙：当初设计完成时，达利竟然想要在龙虾上抹蛋黄酱，就算是夏帕瑞丽也接受不了达利的疯狂
������达利与夏帕瑞丽合作设计的鞋帽，晚礼服上的口袋是嘴唇的形状
✅伊夫·圣·洛朗与艺术家之间的合作也数不胜数
比如1965年，根据几何抽象画派艺术家蒙德里安创作的“蒙德里安日装裙”
还有由巴洛克激发灵感的印有吉他的斗篷
由马蒂斯激发灵感的印有鸽子的连衣裙
������这条裙子将伊夫圣洛朗变成可以载入史册的伟大设计师）
������1966年他致敬波普艺术家Tom Wesselman，粉红人脸）
✅Alexander McQueen让他的秀场像任何艺术一样激进
他让一名装着假肢的模特送上伸展台
他让机器人在白色连衣裙上喷涂油彩
这些时装秀极接近于即兴演出，让自己的时装秀像歌剧一样极度充满感情而带动观众情绪
������1998秋冬秀场，McQueen让残奥会短跑运动员Aimee Mullins出场走秀， Aimee是失去双小腿的重度残疾运动员，当她出场时，那双雕刻上精细繁复花纹的木雕假腿引起了评论界极大的争议
������1999春夏，McQueen让机器人肆意涂鸦模特穿着的连衣裙，至今仍是值得炫耀的经典。将身着纯白色礼服的模特旋转在舞台中央，左右两旁的机器喷枪随意喷出黑色和黄色的颜料，现场完成“非常麦昆”的造型）
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然而，艺术的目的是延续，而时装则会沦为过时。
艺术时尚与时装以不同样的节奏发挥着作用
20世纪八十年代
日本设计师在“概念”剪裁的形式上，进行了大胆尝试
那些超大且不对称，具有三层袖子和杂乱无章的纽扣排列成为日本设计师的风格
可有趣的是，所有的这些实验，从川久保玲到山本耀司的作品，都因为商业缘故恢复了传统的线条。
Comme des Garçons AW 2016
Comme des Garçons SS 2017
CDG HOMME Plus 2018 AW
CDG HOMME Plus 2019 ss
Comme des Garçons SS 2019
Comme des Garçons SS 2020
������Comme des Garçons的设计充满着所有极具想象力的疯狂元素，但衣服总归也是需要切合大众消费者的日常需求的。
������川久保玲已经推出了十八条副线，包括1984年成立的Homme Plus、1988年成立的SHIRT、2002年成立的PLAY、2009年成立的Black等，除了主线Comme des Garçons外，基本上都以日常实穿的产品为主
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法国时装评论家凯瑟琳·施瓦布在书中曾说：
——无论多么稍纵即逝，它也必须作为人体形态学的代理商。
因此，服装永远不能希望自己成为一种完全不受约束的作品，它只能努力让自己偏向艺术，而永远不是艺术。
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时装并不是艺术，
Christian Lacroix、Jean-Paul Gaultier、以及Karl Lagerfeld充分了解这一点
但他们也极为清楚艺术可以让时装提升其价值，是增长销售业绩的助力。
������Karl Lagerfeld，看来老爷子没有强迫症！
������Karl Lagerfeld 曾diss “把设计当艺术是很做作的”
但还是有大批品牌因为艺术，把时装“卖出去”
相信最早“觉醒”的是品牌背后的经理人，一些时装商店会雇佣艺术家，以对自己的产品赋予作为一种指示物的“重要性”
例如，爱马仕������定期购入当代艺术家的手绘作品，来为自己经典丝巾系列加入图案储备。
������爱马仕印制了200件再版Josef Albers作品的丝绸方巾，作为限量系列投放市场。
������Josef Albers，德国艺术家，毕业于包豪斯设计院。无论是在欧洲和美国，20世纪，他在欧普艺术形成的基础上具有最有影响力和深远的艺术教育计划。
爱马仕那些实用价值高，又能展现艺术家画作的丝巾商品，成为其经久不衰的畅销品。
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������2003，Louis Vuitton和村上隆合作系列，畅销12年
自2003年以来，
路易·威登就一直在与日本非常成功的商业艺术家村上隆合作，
为其帆布包赋予新的生命和艺术上的诠释。
������村上隆认为艺术作品能带来经济效益才有价值的艺术家
村上隆的那些漫画设计因为路易·威登获得了全球范围的声誉，
并于2009年在古根海姆美术馆开班了作品展，整个展览由路易·威登赞助。
村上隆的作品刚好是高文化修养市场和一个较年轻的连环漫画爱好者基础之间缺口的理想选择。
路易·威登那些印有村上隆漫画的包包让其获得的大批年轻消费者。
������村上隆与当红炸子鸡设计师Virgil Abloh
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在满足对营销推动的迫切需求的过程中，
艺术家是否被迫减少其对一种趋势状态所做的工作？
但年轻人对于新奇事物的迫切需求，对街头艺术的熟知
仿佛已经厌倦与自我破坏相互调情的“快时尚”
一种相反的趋势突然进入了人们的视野——慢时尚
慢时尚——来源于生态学，崇尚长期持久的服装
比如Martin Margiela的那些极简艺术作品，让人像观看收藏品一样去看那些时装作品。
《MARGIELA / GALLIERA, 1989-2009》是巴黎首次为比利时鬼才设计师Martin Margiela举办的回顾展，并邀请到设计师本人担任艺术总监
Margiela用他的概念质疑他所处时代的时尚美学，通过实验性的解构方式研究服装的构造，揭示其内部、衬里、未完成的部分，并将时装制作过程加以呈现：褶皱、肩垫、图案、针脚......
他把服装的比例把玩到了极致
他创造了一种受日本传统分趾袜启发的新型分趾鞋，在1989年时第一次于秀场上让模特们穿着它们在廉价白布上留下鲜红的脚印，在下一季的秀场中用这块印有红色脚印的布裁剪出一件女士上衣，并使用胶带固定，大概也是时尚界首个实现回收利用的知名设计师了
设计师将从世界各地收集来的复古服装、戏服、舞会长裙等材料重新创作成为独特的手工缝制时装，展示在“复制品”(Replica)系列中。
Margiela坚持作品不应被模特的个人特质和容貌所影响，常使用发套、面罩、眼贴等遮盖隐藏模特面部，使得观众将注意力集中到服装上
每一次Margiela的秀场都是集噱头和行为艺术于一身的，
Margiela本人的行为也充满艺术气息
曾经据说，Margiela甚少露面，在时尚圈一直给人以神秘感
每年在巴黎举行的高级女装年会，聚集世界顶尖设计师的大派对，他从来不去，但聚会上永远为他留着一把椅子
越是这样，人们越是好奇，越是喜欢这个品牌，因此标榜独特个性的消费者越来越多的购买其产品。
之后Margiela离开了自己的品牌
接受它的是更加善于玩弄噱头的John Galliano
这两年又将街头文化融入品牌，让Martin Margiela获得了不少年轻消费者喜欢
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E2双人组合Michele和Oliver chatenet多年来一直致力于回收和“定制”奢侈服装、高级时装以及复古服装。
他们的服装像是一次性作品，来自过季过时的或多个时期的服装重新组合，这样很容易被拿来与艺术作品比较。
最后，这些衣服像雕塑作品一样供人们欣赏，却无法穿在
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当然，在这之前，我们耳熟能详的欧普艺术和抽象艺术开始渗透进时装设计
设计师越来越擅长以一种“表演”的形式，将自己的作品在模特身上进行展示
的确有些设计师让时装变得诗情画意，并非是“生产”，激发了之后的设计师也好、艺术家也罢他们的想象力。
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文章最后，我想再介绍一下北京去年年底新开的skp-s
skps是一座概念零售商场，科幻感与艺术味满满
大概开业第一周我慕名而去
幸好我是开车去的，进地下停车场还算顺利，据说当天人流量太大，商场限流，商场门外慕名而来的人排起了长队
������SKP-S与韩国眼睛品牌GENTLE MONSTER合作“未来农场”
������SKP-S与韩国眼睛品牌GENTLE MONSTER合作“未来农场”，
我个人感受是GENTLE MONSTER店里的装置都很有趣，不管是三里屯的门店，还是skp的快闪店，每次都是被它的装置吸引，然后看看眼镜，当然眼镜产品也带有强烈的未来感。
������眼镜品牌GENTLE MONSTER在spk的快闪店里的装置
������眼镜品牌GENTLE MONSTER在spk的快闪店里的装置
������Daniel Rozin的企鹅模型表现的是未来的人工化自然环境-skps
������Daniel Rozin的企鹅模型表现的是未来的人工化自然环境-skps
������商场三层的公共空间展示了“对未来数字世界发展的期待和恐惧”、“对过去模拟世界消失的怀念”两个主题
������展示空间展出作品《时间的箭与环》
������还有一些照片
当天的购物体验并不是很好，因为人真的是太多了
但是不得不说，skps在艺术与商业的结合上还是下了一些功夫的
尤其在网络购物如此发达的当下，这些依赖线下的实体经济如何发展，给了一些正面的尝试
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#头条之星校园计划#、#今天穿什么#